miércoles, 19 de junio de 2013

Proyecto Personal FIN

 Bien, pues aquí esta el resultado de mi proyecto personal para Pintura III. Tríptico, lino y planos como ya anuncié. Este es mi primer proyecto de pintura, y la verdad, me costó trabajo adivinar "que hacer". Cuando te dan total libertad para hacer lo que te de la gana al principio piensas "jo que bien", pero cuanto te toca elegir que hacer es un gran desastre, no obstante "TODO ES PONERSE"! 
Pese a que he tenido que hacer un pequeño sprint el día antes de la entrega para terminarlos, creo que el resultado ha sido el esperado. Los colores de los planos puede que varíen en un futuro cercano, pero dado que no tuve tiempo elegí coger el mismo tono para todas.
La disposición de los cuadros es esta, espero que os guste. 

Aquí os los pongo las obras de manera individual:





domingo, 16 de junio de 2013

Ejercicio último

Esperaba que mi ejercicio anterior fuera el último de clase, pero como quedaban 2 o 3 clases para terminar, decidí hacer otro ejercicio rápido. 
Sobre el reverso de un tablero 100 x 70 cm dónde tenía ya un ejercicio y con acrílico rojo, verde, negro y blanco en la paleta este ejercicio ha sido un poco como liberador. Como ya digamos que el "ejercicio último" que debíamos entregar ya lo tenía listo este no me preocupaba meter la pata. Por ello este lo hice de una manera más despreocupada y disfrutando.

Creo que el resultado del cuadro en relación al tiempo empleado en él es decente. Además disfruto más haciendo ejercicios rápidos que en obras como la anterior que me tenía un poco ya ahogado. Es un poco agotador enfrentarte a un cuadro al cúal ya no sabes que hacerle más con tal de mejorarlo, por ello me alegró cuando el profesor me dijo que "a otra cosa".



Antonio Tàpies

Sin duda Tàpies es para mi el artista más profundo visto hasta el momento. El video (Enlace) que nos recomendo el profesor explica perfectamente su obra. 
Tápies define el artista como un "mago" que hace reflexionar a la gente. Habla de un "arte-medicina", que trata de ayudar a toda la humanidad, ese es para él el motivo de su obra.
En su obra lo principal es la búsqueda espiritual más que una pintura por la estética.
Desde pequeño comenta que siempre sintió curiosidad por ver obras, libros y que tuvo la suerte de tener a su disposición la gran biblioteca de su padre. Esto supongo que lo convirtió en gran poseedor de cultura, de saber lo que se había hecho y por tanto de tener unas buenas bases de las cúales poder partir.

Tàpies afirma que la guerra civil siempre le preocupó porque se vivieron escenas muy violentas y le hicieron plantearse sobre su existencia y su vida. Recuerda que todo estaba marcado por escrituras, los coches, los muros, "pinturas revolucionarias". 
Cuando terminó la guerra Tápies enfermo debido al hambre y le descubrieron una lesión de tuberculosis en un pulmón que hizo que se quedara 2 años en cama. La enfermedad le sirvió de camino a un mundo más profundo. Esa experiencia de soledad explica que "exicta la imaginación, te vuelves hipersensible".

Sin duda, cuando ves su obra de Tàpies ves en ella sufrimiento, y conociendo esa experiencia de enfermedad, de soledad... es lógico que su obra hable de ello. Es como él dijo un "arte-medicina" pero sobretodo creo que para él, es como una necesidad de soltar lo que lleva dentro y expulsarlo fuera.

Durante su primera etapa artística Tápies parte de lo que los artistas dejaron: sueños surrealistas, viajes al incosciente, religion... pero añade una cosa muy importante, cosa que permanece en toda su obra, símbolos.

Una de sus obras es este autoretrato, el video lo explica así:



"Y he aqui un ser enfermo, casi desnudo, un ser que se defiende del mundo con sus manos. Con el alo de los santos y una cruz en la frente como un mártir, como los de un mártir también sus ojos destilando a la vez determinacion y miedo. Ojos que  miran más allá de lo visible, hacia el mundo de dentro y hacia el mundo de fuera, con el objetivo de ver la realidad interior que es la que el arte busca. Por que el arte cura, cura los demonios que ahora salen de las pupilas liberándose de una rara cautividad".




Tápies vió que los surrealistas cambiaron los temas de los cuadros, pero pintaban de la misma manera técnica que los predecesores, por ello Tápies investigó otros tipos de pintura. Emigró a Francia, huyendo del franquismo, buscando libertad

En el video Tápies nos comenta que con la invención de la cámara todos los pintores quedaron libres de la sevidumbre de retratar momentos históricos. Desde ese momento los pintores tienen la opción de hacer lo que ellos quisiesen.

En el video se explica como el informalismo era "un deseo de cambiar el punto de vista existencial, una filosofía. Una de las cosas más importantes es que había un conocimiento de la intuición subsconciente de todos esos factores de la existencia humana que no se pueden encontrar en una tradición lógica, racional". Podían expresarse libremente sin dar explicaciones técnicas.

En el video se hace referencia a Ramón Llull, este utilizaba mucho las cruces en sus obras, para el era lo más importante. Tapies comenta que siempre se fijó en Llull en cuanto a “hacer cosas que sean verdaderamente importantes, no perderse en los detalles, sino ir a lo esencial


“El arte es una fuente de conocimiento y de ética; de comportamiento humano”, tapies

“Mi obsesión era que el mundo funcionara mejor, por eso intentaba hacer obras que influyeran en la conciencia de la gente”

Otro cuadro:
 

"Obras que reflexionan que meditan sobre el cuerpo, como este, que esta solo, doblado sobre si mismo, que no escapa a los limites del cuadro, y que tiene por rostro una palabra “hesychasta”, busqueda mistica, ruego sin voz, cuerpos estaticos, silencio venido de un medieval bizancio que sigue buscando hoy en este lienzo la paz divina. Simbolos como el circulo que este cuerpo dibuja, forma fetal que remite al origen de la vida, que sugiere la muerte evocando tambien un pasado sembrado de imagenes cristianas. y el cuerpo sigue solo extraño en su blancura, aislado de los mundos que le esperan fuera, mundos de trazos turbios y extraños colores."

En conclusión creo que Tápies es un referente que no hay que dejar a un lado, su obra merece la pena tenerla cuenta. Las obras que he podido ver muestran ese sufrimento debido a la época que vivió. El tratamiento de sus obras es como primitivo, utiliza materiales como arena y los colores suelen ser negros, grises, rojos, tierras, es decir, tonos no muy alegres.  Sus cuadros son muy potentes cargados de símbología que te hacen, como el explica, reflexionar. Recomendable!

sábado, 8 de junio de 2013

Ejercicio final clase

En esta entrada os muestro un ".Gif" con el proceso pictórico de mi último trabajo en clase. Las fotos fueron tomadas con el móvil, por ello la calidad no es muy buena. Pero no obstante me parece interesante mostrar como el encaje, la mancha y luego poco a poco el acabado de la cuadro.
Unos de los defectos que me explicó el profesor fue el exceso de blanco en las mezclas, que hacía que la obra se desaturara. También me propuso que desdibujara la cara, que no tuviera mayor relevancia, lo importante son las luces no como tiene los ojos. Al no tener yo el suficiente valor para emborronar la cara, me quitó la paletina de las manos y la froto sucia  por el rostro de la figura. No tengo foto del resultado después del desenfoque de la cara, pero derrepente la cara se fue hacía atrás, cobrando mayor importancia el cuerpo.
Llegó un día en el que ví que no sabía como seguirlo, por ello le pregunté al profesor y me dijó que me pusiera con otro (un gran alivio).

El resultado final del cuadro antes de ser emborronada la cara fue el de la derecha (ya con más resolución).
Este cuadro es un reciclado de un 50 figuras montado con lona de algodón e imprimación a la creta donde había otro ejercicio que no me interesó conservar. 
Creo que el resultado es interesante. Las luces calidas utilizando el rojo y las sombras frias metiendo verde. Si me hubieran dicho al inicio del curso que con dos colores, más blanco y negro, podríamos sacar cosas así me hubiera costado trabajo creerlo. Estoy contento del final.
Ahora en clase me he puesto ha hacer un ejercicio rápido y más despreocupado, intentando como dice el profesor: "cierra un poco los ojos y mira como esa pierna tiene más luz y es más calida que ese brazo". Y ya desde el principio construir la mancha con el tono adecuado. 

viernes, 31 de mayo de 2013

Proyecto Personal (III)


Las poses definitivas que voy a utilizar para mi proyecto personal van a ser estas. He estado probando con colores complementarios, y como utilizando los mismo en las tres figuras quedaba un poco monótono el conjunto he decidido utilizar distintas parejas de complementarios en cada figura. Los bocetos son bastante rápidos con lápices de colores, espero que el resultado final sea bastante mejor. 


jueves, 30 de mayo de 2013

NIKON FM2, porque una cámara analógica?

Mi reciente adquisición ha sido una cámara analógica, aquí os muestro una de las fotos tomadas con ella. Creo que a pesar de las avanzadas tecnologías, que hacen que las nuevas cámaras digitales tengan "tropecientosmil" megapíxeles, las cámaras "de toda la vida", las antiguas de carrete les hacen una gran competencia. La calidez del carrete es iniguable...  te hace transladarte al pasado. Os animo a todos a coger la cámara antigua del mueble del comedor de vuestros padres, esa que esta super escondida metida en una mochila vieja, vayáis a comprar un carrete Blango&Negro o color, y deis un paseo! Y si encima tenéis la suerte de tener modelos guapas como yo pues "olé" que suerte.










miércoles, 29 de mayo de 2013

Maurizio Cattelan

  Ayer (27 de mayo) el profesor nos mostró un vídeo sobre Maurizio Cattelan, un artista italiano conocido por sus obras divertidas e irónicas. Se burla de las galerias, se centra en mostrar algunos momentos embarazosos, patéticos o estúpidos. Sus obras hacen que en primer momento te rias, pero luego cuando te paras a reflexionar ves su trasfondo. Ya sea reivindicativo o sea algo mas íntimo.

Una de las obras es "Charlie Don't Surf", donde está la figura de un niño encapuchado sentado en un pupitre y clavado a él con dos lápices en las manos, de espaldas a los especadores. Según comenta el vídeo, el escultor muestra su recuerdo de cuando estaba en la escuela, critica la autoridad.

"Irreverencia, cultura como espectáculo, preocupación social y dimensión política han sido cuatro de las claves que han marcado la producción de este artista en cuya obra también hay visos claros de influencias publicitarias." El País (periódico).

Critica también mucho el mundo del arte contemporáneo. Su trabajo se basa en provocación en muchos casos, por ello quizás sean más interesante. 




Otra obra de Cattelan es la de la imagen de la derecha, donde se muestra una ardilla que se ha suicidado. Cattelan lo convierte todo en gracioso, incluso el tema de la muerte. El significado de esta obra según el autor es que: 
"Es una alegoría sobre el final de la inocencia y  la angustia adolescente que el artista dice haber sufrido durante sus años de aprendizaje en la ciudad de Padua". 20 minutos (periódico)
Una de sus obras más polémicas es "La nona ora", donde aparece el Papa Juan Pablo II alcanzado por un meteorito. (mostrada en la imagen de la derecha)



Bien, creo que Cattelan tiene interés en convertir todo en mofa, pero no solo quiero hacernos reir, sus obras tambien tienen su transfondo. Se burla de los diversos sistemas de orden, y a menudo utiliza temas y motivos de arte de del pasado con el fin de ridiculizarlos. Cattelan defendía que el arte contemporáneo también debía tener una crítica, no aceptar el "todo vale", que actualmente está afincado.
"Su obra pretende dar a conocer la naturaleza incongruente del mundo y de nuestras intervenciones en él sin importar dónde se puede mentir." (wikipedia)
Otro dato curioso de Cattelan es que utiliza "suplentes" para las entrevistas, pero preparados para usar respuestas evasivas y explicaciones sin sentido.




lunes, 20 de mayo de 2013

Presentación Proyecto Personal (I)

Es difícil elegir cuando te dan total libertad para hacer lo que quieras. Pero hay que ser valientes y emprender proyectos con decisión y ganas. Me ha costado bastante decantarme por una idea, porque todavía no tengo la bastante fluidez mental para pensar proyectos interesantes. Por ello me decidí a hacer un poco lo que hacemos en clase, es decir, pintar modelos, pero de una manera diferente. Vi hace poco una exposición, "No son galgos"de José Antonio García Amezcua, la cual me pareció muy interesante. Trataba los lienzos sin apenas cubrirlos de pintura, dejando ver la tela de la base (lino). Ya tenía pensado hacer algo parecido, pero verla fue una manera muy ilustratiba de ver lo que quería hacer.
 Aquí ala derecha una muestra de una de sus obras (Amezcua) dónde se ve perfectamente como deja mucha parte del lienzo sin pintar, mostrando el lino. Según comenta él, recientemente vió una exposición de Alberto Giacometti, y ese vacío del lino representa tambien la soledad.
Esta mañana, "casualidades de la vida", estaba montando los lienzos de lino en los bastidores (muestro en la entrada anterior) y cuando los he puesto cerca de la ventana he visto como traspasaba la luz por ellos, ha sido realmente bonito, esas sombras sugerentes. Por ello en mi proyecto había pensado en tratar a las figuras de una manera oscura, un poco en contra luz... y una vez terminado aplicarles una luz por detras de lienzo, de manera que se ilumine el lienzo y la figura se contraste y se realce, dejando al igual que Amezcua grandes zonas sin tratar. Chillida en su libro "Escritos" decía algo de que mientras construyes la obra, ella misma te va dando ideas, te pide cosas o te dice que le quites. Lo mío con la luz ha sido como una idea venida de la ventana, y sentido la necesidad de probar con esos contraluces. 
La figura que voy a tratar en los lienzos va a ser una modelo desnuda en la cama, adoptando posturas agobiantes, dramáticas... Cuando vino la modelo a mi casa le deje libertad para que hiciera distintas posturas, y entre los dos íbamos modificándolas para hacerlas sugerentes, que dijeran algo. 
Me voy a reservar el derecho a "SORPRESA", es decir, no mostrar imágenes de la idea final. Iré mostrando fotos del proceso poco a poco, para luego exponer el resultado final.

Espero que os guste!

Lino y luz

Esta mañana mientras montaba los lienzos en mi cuarto para mi "Proyecto personal" me he dado cuenta de que el lino es fantástico, es TRANSLÚCIDO. Y como principiante en fotografía me he visto obligado a echar unas instantáneas. Creo que han salido interesantes, por ello las muestro por aquí.





domingo, 19 de mayo de 2013

Gregor Schneider



Después de un buen rato con nuestro último cuadro en clase el profesor nos puso un video sobre Gregor Schneider. El video no hablaba mucho sobre él, más bien solo sobre su obra, por eso he visto necesario informarme sobre el artista.
Gregor Scneider es un artista conceptual alemán. Su inicios en el arte parten de la "Haus u r" (casa u r), una casa antigua en Rheydt, en alemania. Gregor nació allí y actualmente se encuentra viviendo en el mismo lugar, trabajando en esta casa. Se dedicó a llenar este edificio con estancias misteriosas que infunden un poco de miedo. Duplicó paredes y ventanas, creando espacios siniestros, como de laberinto. Su casa contiene muchas puertas ocultas.
Una cosa curiosa es que de joven ya apuntaba hacía lo oscuro, se retrataba gritando y se embadurnaba en harina haciendo performaces siniestras. En 1997 Schneider empezó a trasladar sus espacios a lugares como museos o exposiciones por todo el mundo.



He encontrado video de una entrevista a él, dónde explica su relación con los museos.
"Cuando el espectador entra, lo que hace es llevarse a sí mismo a través de estos espacios y cada uno aporta sus propias sensaciones y modos de comportamiento, sobre los espacios. Los espacios no son peligrosos en si, la sensación la aporta el propio espectador. Yo no estoy seguro de que los espacios produzcan una sensación o si estos lo que hacen es generar la idea de que va surgir una sensación. O la experiencia en algunas ocasiones es la oscuridad que genera una inseguridad, la oscuridad hace que el espectador se note, se perciba a sí mismo y cuando el especatdor sale de esos tubos de alguna forma ha superado ese miedo normalente sale con una sensacion satisfactoria."


 

"Yo creo que los museos tienen que ser lugares donde tiene que ser posible todo"

Creerme si os digo que cuando el profesor nos mostró el video muchos de nosotros (los alumnos) nos quedamos sorprendidos porque pensabamos que este artista estaba loco. Quizás también porque el video que nos puso el profesor lo mostraba como si de verdad lo estuviera. Pero después de informarme sobre él, comprendo mejor su arte y además me parece muy interesante el trabajo que hace con los espacios. Su trabajo relacionado con los museos, con la idea de un camino a través de sus espacios, creo que merece la pena ser visitado. 

Sus espacios son más bien vacíos, sin obras ni apenas muebles. Estos espacios tan blancos y vacíos me recuerdan a habitaciones de psiquiátricos, lo que también tiene algo de siniestro.

También tiene habitaciónes donde trabaja los rincones con texturas, oxidaciones... Pinta las paredes dándoles texturas y tonalidades siniestras. Su casa es como una escena de una película de terror. En la imagen de abajo se muestra esa siniestralidad.



 “A mi no me asustan las habitaciones me asusta la gente”

Schneider habla de una manera que parece como si hubiera tenido algún tipo de trauma de niño. Se expresa como un misántropo, no se muestra como muy sociable. Quizás por eso también su obra es muy individualista.


Otra de sus habitaciones es una complentamente aislada con plomo, fibra de vidrio y espuma de poliuretano. Esta habitación me hace pensar en un Búnker, como si el artista la hiciera para separarse del resto del mundo.
 






 

En conclusión creo que este artista hace una obra muy intimista, que hace que cuando sus espacios son visitados los receptores tienen sensaciones de inseguridad, de miedo un poco. Es como si quisiera mostrar que todos tenemos miedos. También tiene que ver que estuvo en una época en la cúal hubo muchos desahucios debidos a la guerra. Sus obras tambien recuerdan a esas casas abandonadas.

martes, 14 de mayo de 2013

Markus Lüpertz

Después de una primera hora de trabajar sobre la última obra en clase (que más adelante subiré a este blog), el profesor nos ha mostrado un video sobre Markus Lüpertz, un artista Alemán.
El profesor nos ha estado hablando de que antes muchos artistas no se dedicaban solo a una rama artística, como en el caso de Lüpertz, que era escultor, pintor, músico y poeta. Creo que es muy interesante conocer las distintas ramas e investigar en ellas, porque soy de los que piensan que todo está relacionado: la música, el ritmo, la composición, la rima, el silencio, el acento, la veladura...

En el video Lüpertz se muestra pintando, inicia sus cuadros de una manera despreocupada, sin miedo, con soltura aplicando la mancha. Esta manera de pintar “sin miedo” es la que yo envidio, porque a pesar de que se que es un cuadro y que se puede modificar constantemente, siempre tengo, al igual que muchos compañeros, miedo a “meter la pata”. Lüpertz aplica distintos tonos de colores en la base los cuales modifica mientras va adelantando sus cuadros. Su taller está lleno de cubos de pintura por el suelo que va utilizando sin dudar. Actúa rápidamente en el cuadro porque como el dice:

“No soporto ver las telas en blanco”
“Me sale el impulso agresivo al inicio de mis cuadros”
 
“Ensucia las telas para luego rescatarlas”

Transforma la obra aparentemente acabada, la desdibuja y la vuelve a reorganizar y entonar. Todo esto sin ningún miedo, con carga en sus pinceladas, muy seguro de lo que está haciendo siempre.

“Esos cuadros son como heridas que se van rehaciendo, reorganizando”

Sus ideas son fértiles, originales y creativas. Los cuadros que se muestran son de su última etapa donde experimenta con formas de pintar novedosas. Lüpertz también habla de la técnica, según él hay dos opciones, puedes optar por lo escolástico o puedes optar por el fracaso técnico, este segundo dice que es el que te permite total libertad. Sin duda no tener ningún parámetro de como pintar te deja libertad absoluta, pero creo que es necesario conocer las distintas técnicas para como luego él mismo dice:

“Hay que inventar una técnica que te permita expresar lo que desees”

Una técnica que favorezca lo que quieres expresar, donde te sientas cómodo y libre.
Él pinta rápido y varios cuadros a la vez, no deja de pintar. Eso hace que sus pinturas sean inquietas, “improvisadas” (aunque estén pensadas).

“Los cuadros tienen que ser novedosos, no algo que ya haya hecho, sino los destruyo”

Esta idea de investigar con cosas nuevas me recuerda a Chillida el cual decía que “hacer algo que ya sabes hacer es perder el tiempo”, “lo hice mejor porque no lo conocía e iba cargado de dudas y de asombro”. Se trata de probar cosas nuevas, embarcarse a la aventura de lo desconocido. ¿De que sirve hacer algo que ya sabes hacer?
Me gusta trabajar en clase porque cada uno de los compañeros lo hace de una manera y puedes absorber cosas que te gusten de ellos. Probar cosas como las hacen ellos. Poco a poco nos vamos llenando de conocimientos no solo teóricos sino prácticos.

“Variaciones”

Lüpertz habla de que cada cuadro es algo nuevo, al principio se parecen pero van diferenciándose. Aunque haga series, sus cuadros son individuales y distintos de los otros. Las series tienen que, no siempre, tener un tema que las relacione o algún vínculo, pero no se trata de hacer repeticiones. Si haces iguales los cuadros de una serie la conviertes en aburrida, “visto un cuadro, vistos todos”.

Lüpertz comenta la difícil aceptación de un arte intimista en la sociedad. Y dice:

“El artista para sobrevivir no puede tener caracter social, hace cosas alegres, suicidios... y muchas actitudes, no se si la sociedad esta preparada para ella.”

En esto no estoy muy de acuerdo con él, porque si tu pintura es sincera y directa los receptores la pueden contemplar y empaparse de esa sensación que hayas expresado en la obra. Puede incluso que haya gente que se sienta identificado en él. Aunque también depende de como lo expreses para que se pueda entender.

Me encanta como Lüpertz cierra el video:

“Lo más importante es divertirse”

Totalmente de acuerdo con esta última frase!


miércoles, 1 de mayo de 2013

2º Complementarios

Este es mi segundo ejercicio de complementarios, en el que se trataba como en el anterior de pintar con solo dos colores complementarios (violeta y amarillo), blanco y negro. Fui echando fotos del proceso. Ver luego el proceso me parece interesante. El ejercicio no esta acabado pero ya se ve la forma y la valoración.
Jesús de Haro fué nuestro profesor sustituto mientra Zurita no estaba. Jesús nos hablo de algo muy interesante relacionado con la relatividad de las partes del cuadro. Explicó como tiene que estar relacionado y que cada parte tiene que ceder su 50 % de importancia a la otra parte para que se cree un cuadro dinámico y dialogante entre su partes. Si las partes no se comunican el cuadro puede pesar mas de algún lado y crear alguna descompensación en la composición.






Jeff Koons

En la última clase el profesor nos puso un video sobre Jeff Koons, un artistas estadounidense conocido por el uso de kitsch (yo no sabía lo que era este término, así que lo he buscado:  Dicho de un objeto artístico: Pretencioso, pasado de moda y considerado de mal gusto, definición de la RAE) y por hacer obras monumentales.

 
Koons empieza hablando de su vida, de su infancia, y explica como el hecho de que su padre fuera decorador lo ayudo a conocer como combinar colores y formas.
El video se inicia en un supermercado, Koons compara artículos con experiencias infantiles. Como por ejemplo, comenta que unas simples galletas le recuerdan al nacimiento, a la lactancia, a la maternidad... En este aspecto, al igual que Koons, me he dado cuenta que siempre que vamos a un supermercado o vamos a comprar cualquier cosa, en lo que más nos fijamos es en lo que nos recuerda a algo conocido, que nos hace sentir seguros. Este dato es puro marketing, todas las empresas utilizan la imagen para vender.

“Hay gente que les gusta hacer arte para sentirse superior a las otras personas”, Koons

Para mí, un artista lo que intenta hacer cuando crea arte es expresar, transmitir algún sentimiento, alguna emoción. El vivir con la necesidad de ser superior al de al lado es desde mi punto de vista una gran estupidez. Vivimos en una sociedad competitiva que siempre queremos ser los mejores, incluso aveces pisoteando al vecino. En la época que estamos viviendo (crisis) veo necesario que la sociedad tiene que adoptar una posición más humilde y tratar de ayudar en todo lo posible al que lo necesite.


Una de las figuras que más me gustan, a pesar de al verlas parezcan un poco tontas, son las figuras de los “Osos contentos” (imagen de la derecha). Estoy muy acostumbrado en ver tristeza en las obras y ver esa positividad y esa felicidad que transmiten me ha gustado.

Koons pasa al erotismo, podriamos decir que hasta la pornografia en sus esculturas. Una de sus obras es ”La dama y la pantera rosa”, explica Koons que en ella ha intentado transmitir ese sentimiento de culpa y de vergüenza. Utiliza la porcelana porque comenta que es un material muy sexual.

 
Hace una exposición donde se muestra con Cicciolina (su mujer), la exposición es bastante pornográfica y pertubadora. Se autoretrata con Cicciolina en el acto sexual, en distintas posturas. Esta exposición lo lanzó bastante a la fama por su contenido.
  
Tras su divorcio con Cicciolina, Koons intenta superar el pasado y crea "La celebración", un conjunto de obras que hizo con motivo del rapto de su hijo. Con estas obras intentaba educar a su hijo de alguna manera a distancia. Esta obra transmite optimismo, no obstante, el mismo dice que "si se hace una obra optimista tambien hay que hacer una obra triste".


La obra de el "Perro feliz" tambien tiene un lado negativo, porque como el comenta, es como un caballo de troya, no sabes lo que te puedes encontrar dentro. Esa contraposición es interesante, como una aparentemente infofensiva cosa puede por su tamaño albergar cosas malas. 
Explica que delante de la obra "El cachorro" (imagen de la derecha) se desvanencen todos los deseos malos, la compara con una iglesia, en el sentido de purificación, de serenarse.










En su última étapa Koons paso al collage, a recrear una "monalisa contemporánea". En esta serie recreaba mujeres a partir de bikinis, ropa interior y collage. Comenta que "el collage es optimista, hace que la gente vea que las cosas no son fijas, son mobibles". 

Esta visión optimista de la que habla creo que viene bien para la época en la que estamos, ser pesimistas solo hace que nos quejemos y no intentemos probar cosas nuevas. Por esto, creo que Jeff Koons merece ser estudiado, a pesar que al principio parece una persona extraña, cuando ves su obra completa ves que ha seguido unos parámetros y no lo ha hecho todo "a lo loco". Su vida ha sido extraña y en su obra se aprecian los cambios sufridos por las experiencias, pero por ello también adquiere mayor interés.


Principiante en Fotografía

El profesor nos indicó que añadieramos en el blog cualquier cosa relacionada con el tema del arte, por ello veo interesante añadir un enlace a MI FLICKR , donde voy subiendo fotos que hago yo y me parecen interesantes. Por el momento lo que más me gusta es el retrato, captar momentos espontáneos. Espero que os resulte interesante.



sábado, 27 de abril de 2013

Complementarios

Este ejercicio consiste en entonar la figura solo con dos colores complementarios, negro y blanco. Mis complementarios han sido un verde azulado y naranja. Ha sido un ejercicio interesante dado que hemos tenido que experimentar con la mezcla de colores complementarios para sacar las diferentes tonalidades.